Croisement. Exposition à l’espace La Brava - Thônes

Françoise Besson, l’exposition s’appelle « Croisement », en « Résonance » avec la Biennale de Lyon. Tout repose sur la notion de liens.
Ce sont effectivement des liens. Je suis née à Thônes en 1971, je suis partie faire des études à Lyon et je reviens à Thônes à l’occasion de cette exposition accompagnée de trois artistes phares de ma galerie lyonnaise. Les liens sont familiaux aussi, mon frère Jean-Philippe nous accueille dans son espace d’exposition de La Brava, tout ceci en résonance avec la Biennale de Lyon.

Nous poursuivons ainsi une aventure qui tisse un autre lien avec la résidence d’artiste d’ Awena Cozannet au musée-château d’Annecy. Celle-ci va donner lieu à l’exposition de quatre pièces au Palais de l’Ile en février prochain.

L’appellation de « Croisement » vient aussi de ce que nous nous trouvons au cœur des vallées, entre Manigod, La Clusaz, Saint-Jean et le Grand-Bornand ; c’est aussi une invitation lancée aux Lyonnais, aux Annéciens, aux Genevois (Artgenève se tient très bientôt) pour venir découvrir l’art contemporain au cœur des vallées, en after-ski.

L’exposition croise les mondes, les univers et les écritures de trois artistes.
 
La disposition dans l’espace d’exposition de La Brava permet une circulation d’une œuvre à l’autre qui suscite des conversations entre elles et avec le spectateur invité par ce jeu de croisements à entrer pleinement dans les œuvres. En Résonance avec elles.
Awena Cozannet, Move On lui a déjà consacré un article (que vous pouvez consulter grâce à notre moteur de recherche par mots clés).. Nous retrouvons à Thônes son travail de recyclage des matières, des idées, de l’humain. Son œuvre « La vague », autrement appelée « On marche sur la tête » évoque la puissance de Kanagawa, l’élan de  la colère d’Awena provoquée par le sort fait aux migrants. « La Vague » est une sorte de métissage de formes et de cordes tissées qui semble renfermer une force incroyablement dense. L’ exposition d’ Annecy s’appellera « Ce qui nous rassemble. »

Répond à "La vague", "The landing" de Daniel Clarke, l’arrivée des bateaux au port.

_ Je trouve tellement compliqué, triste ce qui se passe, nous dit Daniel Clarke, que j’ai voulu quitter mes préoccupations purement esthétiques pour parler de ce bateau auquel on avait retiré son autorisation de naviguer. Je me suis dit qu’on perdait notre humanité au profit des chiffres. Il me fallait en parler, c’est ce que j’ai essayé de réaliser avec ce tableau.

Vos personnages sont fortement présents et totalement anonymes.
Pour celui-ci, j’ai quitté un travail beaucoup plus réaliste. Je souhaitais m’éloigner de la notion de portrait, de l’identité des personnes, utiliser les figures comme des formes picturales, des ombres. J’ai découpé des centaines de pochoirs que j’ai maniés, répétés. Les formes proviennent de positifs ou de négatifs de mes anciens tableaux. Il en émane une sorte de familiarité des choses qu’on voit sans les voir.

Vous êtes vous-même un migrant.
Je suis né aux Etats-Unis, d’émigrants Irlandais qui s’y sont installés dans les années 20. J’ai deux passeports .J’ai choisi de venir en France où je vis depuis 27 ans pour suivre quelqu’un. Je suis d’une certaine façon concerné par l’idée de mouvement, de migration et j’aimerais que chacun ne reste pas concentré que sur sa propre histoire. Si nous regardions un peu nos voisins, notre vie commune en serait plus agréable.

Dans tous vos tableaux exposés ici, particulièrement avec « The landing » la couleur est très forte, puissante. Elle anime l’ensemble.
La couleur devient presque un objet en lui-même, mais je ne voulais pas qu’elle devienne décorative. C’est le piège à éviter.

Vos personnages, par le fait que ce sont des silhouettes, par leur pose hiératique, ont une dimension mythologique. On peut penser à l’Odyssée.
J’adore la mythologie ; j’ai lu l’Iliade, l’Odyssée. J’ai été élevé en bord de mer, avec les bateaux, cette lumière de fin de journée qui dessine tout le monde en silhouettes, avec ces éclats de couleurs d’où sont absentes les teintes intermédiaires.
On porte avec soi tous les livres qu’on a lus, toutes les rencontres, les artistes. Je mets tout dans mes tableaux.

Christine Crozat, votre façon de travailler est très particulière et ouvre sur plusieurs lectures de vos œuvres.
Je travaille par soustraction et sur plusieurs couches de papier. La première, qui se trouve au fond, est une couche d’aquarelle monochrome. J’ouvre la deuxième feuille de calque, je la découpe avec un scalpel pour faire apparaître une peinture d’un grand artiste italien pour la pièce que je vous montre. De calque en calque j’obtiens un jeu de formes qui attrapent les couleurs des papiers précédents. Le nombre de calques dépend de l’œuvre, généralement de deux à cinq.
Avec mes gris de payne, une couleur d’un bleu profond, on est davantage dans les paysages, mais c’est la même technique. Je joue avec le vide et le plein, avec la transparence et la profondeur.

Comme dans une sorte de révélation.
Tout ce qui est de l’ordre de la contemplation, de la pensée m’intéresse beaucoup. J’aime que la personne qui regarde mon travail puisse aller elle-même se promener à l’intérieur des couches de papier, rêver, chercher les formes qui apparaissent.